NOVA MUNDO
« Les secrets de la physique, de la matière, peuvent s’expérimenter dans un rapport profond au langage ». Cette phrase prononcée par Valère Novarina lors d’une conférence établit une connexion entre la matière dite inerte et la matière vivante.
Nova Mundo est né de cette connexion, des questionnements personnels qu’elle a suscités et du maillage de mes interrogations sur les mystères de l’Univers, du vivant et de l’Homme.
Écrire sur l’Homme. Ce qu’il est, a été et ce qu’il restera. À travers les époques, de la naissance de l’Univers à l’apparition de l’humanoïde. Pourquoi et comment il manie la parole. Ce qu’il traverse, sa place, sa trace. Le voir à cru. Interroger sa liberté.
Naviguer à la croisée des sciences, des croyances et des arts. Installer le spectateur dans un observatoire et lui donner à voir l’Homme.
Puis, changer son angle de vue, le mettre dans le bocal.
Aimeriez-vous sonder les mystères de l’univers ?
Donner le pouvoir à votre curiosité et à votre imagination ?
Si vous aviez ce pouvoir, quel serait le premier mot ?
Comment réécririez-vous l’Histoire et la vie ?
Nova Mundo, une exploration quantique haute en couleurs et en questionnements. À l’image des constellations dans l’univers, les 7 comédiens gravitent sur scène, tantôt matière et particules, tantôt surgissant telles des paroles irrépressibles. Sur des textes finement ciselés, le spectateur est invité au cœur des pensées de l’auteur, où les comédiens, comme des fulgurances, jaillissent des dimensions infinies du cerveau humain et traversent les mondes. Une performance sensorielle et philosophique.
Quel chemin allez-vous suivre ?
SILENCES
Silences est un projet qui réunit deux éléments essentiels, mais jusque-là séparés de mon travail : la création chorégraphique et l’écriture. La rencontre avec l’univers littéraire de Joë Bousquet a agi comme un déclencheur. Paralysé par une balle qui lui sectionna la moelle épinière lors de la Première Guerre mondiale, écrivant alité, Bousquet a écrit des textes qui d’emblée m’ont semblé de nature chorégraphique. Comme en dialogue avec la recherche d’Hijikata, le fondateur du butô.
En écho des sensations d’enfermement que j’explorais jusqu’alors dans mon travail chorégraphique, les textes de Bousquet ont ouvert un chemin en germe dans mon parcours : la danse se danse, la danse s’écrit. Et l’écrit donne à danser.
Silences signe ce passage du souffle à la poésie sonore, de la rétention du souffle à la sortie de l’oralité. Avec pour ambition de jouer avec le perceptible, de nommer l’invisible dans la danse, de dévoiler les moteurs internes et imaginaires du geste. Faire danser les mots, et traduire en mots l’invisible de la danse.
Initiée par le Théâtre des 13 vents et conçue par un ensemble de partenaires culturels à Montpellier et à l’entour, la Biennale des Arts de la Scène en Méditerranée réunit du 9 au 27 novembre 2021 des équipes artistiques travaillant sur les rives de la Méditerranée.
Imaginée comme un lieu de partage des œuvres et la pensée, la Biennale propose un programme de spectacles, d’ateliers, de rencontres et de lectures mêlant théâtre, danse, musique, cirque et écritures contemporaines. Donner un aperçu de la création contemporaine en Méditerranée, croiser des territoires géographiques et imaginaires, partager avec toutes et tous des questions artistiques et politiques, rendre sensibles les contradictions et les espérances, c’est là l’idée, l’esprit qui anime cette Biennale, sa seule et simple nécessité.
Du 8 au 19 novembre 2021
Worshop mené par Nicolas Heredia à l’invitation de l’ENSAD dans le cadre de la Biennale des Arts de la Scène en Méditerranée.
Ce worshop propose de faire se rencontrer les élèves de MO.CO.ESBA – Ecole Supérieure des Beaux-Arts de Montpellier et ceux de l’ENSAD – École Nationale Supérieure d’Art Dramatique.
« Mon travail relève toujours d’une porosité entre arts de la scène, arts visuels et performatifs » écrit Nicolas Heredia.
Comment des élèves en art plastique et des élèves en art dramatique questionnent-ils ensemble la place des interprètes dans des environnements autres que des salles de spectacle. « Déplacer tout le monde pour partir ensemble sur un territoire vierge ».
L’Élan de l’Autre
proposé par La baignoire – lieu des écritures contemporaines
Notre proposition s’appelle « L’élan de l’autre » et non pas « l’élan vers l’autre ». L’acte de traduction cherchant à capter et accueillir le souffle et l’énergie (poétique) d’une autrice ou d’un auteur étranger, cet accueil de la langue de l’autre déplace la nôtre. Et c’est heureux : faite de croisements et de contiguïté avec d’autres, toute langue est enrichie de vitalités allogènes.
Au-delà même de la traduction, nous souhaitons pendant ce temps de rencontre expérimenter les écarts et tenter des déplacements générés moins par le sens des mots que par leur sensualité rythmique, la richesse de leurs couleurs ou des paysages qu’ils chantent.
Les participants se rencontreront avant leur arrivée à Montpellier grâce aux voies de l’informatique et des techniques de communication.
À distance, les deux auteurs – David Léon et Tomislav Zajec – auront écrit chacun un texte de deux ou trois pages (5 à 6 minutes) qui sera traduit en français, en croate, et en turc par les traductrices invitées. Cette traduction s’effectuera en amont ou au moment de la rencontre, nous ne l’avons pas encore décidé.
Le 20 novembre au Hangar Théâtre, après une présentation au public des deux auteurs et de leur traductrices, et de la lecture de quelques extraits de leur œuvre, nous passerons à la partie plus performative et expérimentale du projet.
Dans un espace que nous imaginons vide avec des points de rencontres entre lesquels le public pourra librement circuler, nous ferons entendre les deux textes commandés ; non seulement dans leurs langues d’origine et dans leur traduction, mais aussi dans une traduction de traduction puisque le texte croate pour pouvoir être traduit en turc devra passer par le français puisqu’il n’y a pas de traductrice ou de traducteur du croate vers le turc.
Mathieu Gabard, poète-danseur interagira physiquement avec les sons des langues mais aussi avec les corps des auteurs et des traductrices.
La configuration des duos ne sera pas stable et pourra se décliner comme suit : auteur-traducteur / auteur-auteur / traducteur-danseur / auteur-danseur / traducteur-traducteur. Les duos étant éphémères, le public ne verra ni n’entendra toutes les formules. Il sera obligé de faire des choix. Les rôles pourront également être intervertis, ou subvertis, par surprise : Reyhan Özdilek par ailleurs comédienne et danseuse, pourrait aussi mettre le texte en mouvement. David Léon qui est aussi comédien pourrait lui aussi subitement réagir physiquement. Tomislav Zajec pourrait lire un (son) texte en français etc…Tous les déplacements sont permis, tous les agencements sont à explorer. C’est un jeu. À la fin de ce moment, nous nous retrouverons autour de Florence March, qui pratique elle aussi la traduction, pour un échange.
Mektoub • Mounâ Nemri pour La NOUR
proposé par La Verrerie d’Alès — Pôle National Cirque Occitanie dans le cadre de Temps de Cirques, en partenariat avec La Grainerie — Fabrique des arts du cirque et de l’itinérance et Pôle Européen de création, Esacto’Lido — École Supérieure des Arts du Cirque de Toulouse – Occitanie, l’ENSAD Montpellier LR et le Théâtre des 13 vents CDN Montpellier.
Mektoub c’est quoi ?
C’est un seule-en-scène multi-personnages ; mi-théâtre de cirque, mi-chant sous la douche, mi-danse expérimentale et mi-makrouds de ma Mima.
Des formes, des femmes, une femme : boule à facette aux multiples ipséités. Une » blédarde » à la poétique lumineuse, une jeune lascarde et sa part d’ombre, le tout raconté par une trentenaire qui questionne ce dont elle hérite et ce dont elle s’acquiert, ce dont elle a honte et ce dont elle est fière. Une odeur de menthe fraîche embaume l’atmosphère, des cerceaux qui se transforment et défient les règles métaphysiques. Un corps qui parle de 1001 manières. Une spirale éternelle, en quête d’amour-propre, d’affirmation et de lumière. Une auto-fiction poéticomique, aux couleurs d’ici et là-bas, un récit intime, éclectique, comme un hommage à tout ce qui compose notre soi erratique.
Mounâ Nemri
TEXTE EN COURS 2021
Texte En Cours revient au direct, face micro et public, du 15 au 18 novembre 2021 à Montpellier !
Le comité de lecture à l’origine de la sélection des œuvres pour TEC 2021 a eu à cœur de faire entendre des prises de parole qui, dans la forme et le fond, dévoilent un coin de l’imaginaire et des voix d’aujourd’hui.
Disparition complète de la faune, père et mari jonglant sur les gouffres de son esprit, recherche de soi et des autres, les personnes autour de Britney Spears, etc., seront dans notre sélection d’œuvres encore en cours d’écriture.
Nous sommes également heureux de vous donner à entendre 2 textes issus de la sélection française de Navegacio Poetic Eurorégion, projet de la compagnie Rêves du 22 Mars autour de l’intercompréhension dans les langues romanes.
La brasserie Le Dôme et Texte En Cours seront encore inséparables, ainsi que le Hangar Théâtre / ENSAD, qui accueille le festival depuis l’année dernière pour notre plus grand bonheur !
« Tout est MÉTAMORPHOSES ? »
(Titre provisoire)
C’est à un moment clef de leur chemin que j’ai rencontré les comédien.nes de cet ensemble de l’Ensad. Au dernier tour de leur concours d’entrée. Il y a deux ans. Je me souviens particulièrement encore de leur singularité, et je me souviens de cette sensation qui m’avait fortement habitée en travaillant avec eux, ce « Au Monde » de Vitez, cet appel d’un théâtre qui réagit à son temps.
J’avais été surprise par leurs corps, ce qu’ils portaient, dégageaient, livraient : d’une vitalité sauvage à l’inscription d’une déjà forte expérience. Je me souviens d’un enthousiasme à les imaginer au sein de spectacles, porteurs d’un sacré possible d’humanités, dans ces diverses facettes. Et nous décidions en plus qu’ils seraient quatorze !
Deux années ont passé et c’est avec joie que je les retrouve pour cette création. Deux années où dans ce chamboulement général, j’ai beaucoup pensé à eux, comme à cette jeunesse enfermée à qui l’on peint à longueur de journée un monde sans lueur, sans projection possible. Comment l’habiter ? Comment s’y construire ?
Je me suis alors intéressée à ce mythe des plus profonds qui nous accompagne depuis tout temps – et plus particulièrement en des moments troubles, comme s’il avait une puissance de réparation : celui de la métamorphose.
La métamorphose comme une défense de l’imagination : du pouvoir merveilleux de transformer le monde, de le transfigurer. La métamorphose comme un phénomène scientifique fondamental du vivant : un monde toujours mobile, théâtre de perpétuelles mutations : humaines, animales, végétales, géologiques.
Et c’est avec ce thème que j’ai décidé de réunir ces comédien.nes, de questionner le monde et le théâtre.
D’une enquête sur la/les métamorphoses
De l’antiquité à aujourd’hui, les métamorphoses traversent nos identités.
Nous partirons d’une enquête sur la/les métamorphose(s) : des textes antiques (les Métamorphoses d’Ovide…), aux contes qui nous habitent depuis l’enfance (Pinocchio/certains de Grimm), aux romans (Kafka…), aux traités et essais scientifiques (biologie/botanie/ apiculture/jardinage/météorologie…), aux pièces de théâtre, jusqu’aux peintures, mangas, Bd, films, séries, jeux vidéos et actualités.
Chaque comédien.ne s’emparera de ce sujet, en un point précis : là où cela reveille son rapport à l’intime, aux autres, et au monde.
Nous accueillerons toutes les métamorphoses, qui correspondent aux désirs, et aux questions de ces 14 comédien.nes.
À partir de ces matières collectées, d’un « grenier » commun de cette mémoire, nous éprouverons au plateau, comment ces métamorphoses se performent.
INSOUTENABLE LA GRACE
Réservation : compagnie.nonii@gmail.com
C’est une histoire de famille, un voyage dans le temps à la source de ce que l’on est devenu aujourd’hui, à la rencontre de l’être que l’on doit accepter d'être.
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DOLLDRUMS
DOLLDRUMS raconte l’histoire d’un gang de jeunes adolescents ayant pour projet de débarrasser le monde des adultes en les faisant régresser jusqu’à la prime enfance. Isolés sur un territoire où règne la tyrannie de l’imaginaire, ils vouent un culte aux poupées qu’ils conçoivent avec la matière de leurs otages dans l’espoir que ces avatars vieillissent et souffrent à leur place.
Cette fable, écrite à la croisée d’Orange mécanique et de Peter Pan, interroge les désirs, les ressources et les dangers d’une jeunesse livrée à elle-même. Héritière d’un monde au déclin annoncé, condamnée à l’ascèse ou au suicide par la consommation, elle lutte, à sa manière, pour refuser sa dette au tragique qui toujours impose à l’enfant de payer pour l’hubris de son père.
Notes
J’ai toujours suspecté cette appellation « spectacle de sortie d’école ». Impossible pour moi de ne pas y entendre un mépris envers les choses naissantes ou plus précisément, d’une peur face à la naissance. Hannah Arendt le disait au sujet de ce qu’elle appelait dans La crise de l’éducation « les nouveaux venus » : ils sont pour le monde sa plus belle promesse comme sa plus grande menace. Ainsi, avant même d’avoir à imaginer quoi que ce soit, nous avions, avec les élèves, déjà beaucoup pour commencer. La scène à venir de leur sortie était d’emblée préoccupée par tout un ensemble de considérations autour de la génération, l’héritage, la reproduction, la descendance, la filiation, la trahison et la rupture, le deuil de l’enfance, la maturité, le surgissement de l’inédit, la reconnaissance et la mort des pères.
Et c’est donc en respectant du mieux que j’ai pu l’hypothèse de travail que je leur avais proposée, à savoir, traduire en forme théâtrale ce qui surgit spontanément de nos imaginaires et dans nos corps, que j’ai écrit ce texte à leur adresse. Un texte assez long. Pas toujours facile. Taillé à plusieurs endroits dans mes obsessions acoustiques. Un texte sur la déprivation et les violences juvéniles. Sur la mort qu’il nous faut traverser pour devenir et grandir. Sur l’amour déchirant et loyal à l’égard de ce qui nous enfante et nous aliène. Sur le courage insensé qu’il nous faut conquérir pour préférer la vie quand tout, autour de nous, se repaît de désastre et d’idéaux dystopiques. Nous avions donc beaucoup à quoi nous confronter. Et c’est ce qui, au départ, était une nécessité pédagogique, du moins le pensais-je, qui a fini par devenir un processus de création. Il a été question de préférer l’élan et l’essor à l’intention. De respecter, poursuivre et raffiner nos intuitions – même les plus insolites – jusqu’à l’écriture de signes organisés. De ne jamais préjuger du destin d’une provenance. De formuler avec la plus grande distinction ce à quoi nous pensions assister. De laisser le possible émerger dans le travail étendu d’un motif. D’accueillir la nuit qui creuse chaque répétition, pour, aveugle, y plonger de tout notre poids et se laisser dériver au gré des courants. De croire que l’onde, toujours, dicte ses rives et non l’inverse. D’estimer ce qu’il y a comme l’indice de notre nécessité. Ainsi, des matières se sont agrégées, des formes sont apparues et nous les avons habitées pour nous imprégner de leur sens à venir. C’est le contraire d’un projet. C’est ce qui advient quand on se laisse faire par les forces qui nous font et nous font faire. C’est ce qu’on appelle un travail de création.
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Un mot encore, sur l’école cette fois-ci. Car c’est d’elle aussi dont je parle, depuis laquelle, me semble t-il, je n’ai jamais cessé de parler. L’école, concernant le théâtre, est étrangère à la scolarité. Aucun savoir ne s’y dispense. Elle est la pratique réitérée d’une source et d’un soupçon. Les choses y sont obscures et violentes, confondues et confondantes, impossibles, féroces, secrètes, sensuelles, puissantes, à la fois précoces et en retard, poreuses, étroites et grossières, monstrueuses, discrètes, délicates, arides, légères, blessantes, sublimes et friables. Quelque chose y pousse dans la clandestinité et la témérité des graines qui fouillent de sillons la terre toujours déjà foulée par d’autres, morts ou vivants, d’ici ou d’ailleurs. Le travail y consiste alors à ne surtout pas vouloir faire mourir la graine en fruit. Car les fruits sont pour demain. Aujourd’hui, nous travaillons à savourer le rêve et le désir d’un fruit. Et le spectacle DOLLDRUMS se veut comme la morsure d’un de ces fruits rêvés. Un appétit dévorant d’avenir. Du moins, tel est mon souhait et l’exigence que je partage avec Fanny Barthod, Léïa Besnier, Pierre Bienaimé, Laurence Bolé, Adeline Bracq, Étienne Caloone, Théophile Chevaux, Stan Dentz-Marzin, Claire Freyermuth, Camille Grillères, Noémie Guille, Mélanie Helfer, Guilhem Logerot et Théotime Ouaniche, au côté de mon acolyte-ami Charles-Henri Wolff.
MUES
Magies, soulèvements et autres phénomènes pour le monde à venir
Par où recommencer ? Et dans quel sens ? Avec qui ? Questions exacerbées par l’époque, le post-confinement, les vacillements du milieu, du pays, du monde – en même temps, Montaigne le disait déjà en son temps : « Le monde n’est qu’une branloire pérenne. Toutes choses y branlent sans cesse : la terre, les rochers du Caucase, les pyramides d’Egypte, et du branle public et du leur. La constance même n’est autre chose qu’un branle plus languissant. » Il y a, étonnamment, et à l’échelle de la Compagnie, une certitude : nous repartons ensemble, et depuis plus de vingt ans, ce n’est pas rien, avoir encore des espaces à creuser, explorer des façons de faire, et, au-delà de ce qui nous lie, d’affirmer, dans le paysage contemporain, un duo de créatrices.
En mars 2020, la Compagnie Tire pas la Nappe, à l’invitation conjointe de Carole Thibaut directrice du CDN de Montluçon et de Laëtitia Guédon, directrice des Plateaux Sauvages, se lance dans l’aventure du Grand Brasier. Des duos et trios de créatrices se forment. Marion Aubert rencontre Solenn Denis, de la Compagnie le DENISIAK, et Aurélie Van Den Daele, du Deug Doen Group.
Au début, il s’agissait de répondre à une commande sur le thème des Sorcières.
LE RANG DES ARTICHAUTS
Dans la salle, le spectacle vient de commencer… Deux hommes, Ros et Wag, se retrouvent seuls au foyer du théâtre, où est dressé un somptueux buffet de première.
Bientôt rejoints par Cosibella qui les accueille généreusement, ils partagent leurs souvenirs en échangeant sur les perspectives de l’avenir de la musique.
Sont-ils vraiment Wagner et Rossini ou leur possible incarnation contemporaine ?
Volontairement sortis du strict contexte historique, les échanges de ces deux géants de la musique apparaissent extraordinairement actuels.
MINABLE UMAIN / BLURNOUT
Minable Umain met en scène une employée devant accomplir, avant le soir, une tâche qu’elle se sait incapable de réaliser. Elle explorera alors toutes les possibilités qui s’offrent à elle, des plus évidentes aux plus absurdes.
Ce spectacle est un solo tout public pour une comédienne, sur un texte de Romain Nicolas inspiré par des témoignages de salarié·e.s du tertiaire autour de la souffrance au travail et du burn-out.
Mêlant rire et tragique, joie langagière et inquiétude(s), il déploie un dispositif scénique léger reposant avant tout sur la langue et le jeu d’acteur.
