Résidence de recherche

Cie Corps Itinérants • Clara Villalba

FERUSA

C’est une vague, un marécage envoûtant qui vient nous bercer, nous conter les peurs, les craintes et les désirs. Trois compagnons de voyage : une danseuse, un comédien et un musicien vont traverser par le corps et la voix le chemin vers l’espoir. Celui de renaître. Celui de vivre ensemble. Pour seuls témoins, des suspensions lumineuses et une baignoire guideront le pas dans ce clair-obscur à la temporalité bouleversée.

FERUSA est une odyssée humaine qui amène une curiosité fondamentale : comment dans l’immensité du monde peut s’exprimer l’amour solidaire ?

 

Catherine Phet

UN MATIN, S’ÉTIRER JUSQU’AUX BOUTS DU MONDE

Un matin, s’étirer jusqu’aux bouts du monde dit, chuchote, murmure, danse, trébuche le besoin impérieux de trouver du sens à nos actes pour survivre aux événements mortifères, aux actualités dramatiques qui impactent notre élan vital.

Le récit ne raisonne pas les évènements, les drames ; il questionne notre intime, droit dans les yeux. Quels choix, quelles déconstructions d’acquis, quelles migrations internes à mettre en œuvre pour saisir la vie, tenter de… toujours ?

Une auteure-performeuse et un compositeur-improvisateur nous immergent dans un Monodrame pour une voix et live electronics aux accents férocement pluriels. La singularité de leurs deux présences (sauvages, intuitives, inventives, nues, libres), leur langue, leur corps, leur voix, leur musique, leurs spectres sonores, leur accouplement furieux autant qu’étrange accouche une matière neuve, charnue, fluide où la pluralité des je respire éperdument. Tous deux cheminent, attentifs gourmands aux surgissements de l’invisible qui naît de la friction de leurs mondes, dans la jubilation de leurs accordages. Ils frottent leurs univers, développent (sueur à l’appui) une écriture basée sur l’organicité des matières sonores au contact (texte, voix et ses ambitus, musique improvisée, traitements sonores…). Ils brassent de concert la matière inconnue d’une langue nouvelle, une langue hybride qui ne cesse de se déployer, de se muscler au fur et à mesure qu’ils l’incorporent et l’apprennent. Une langue polyphonique, polymorphe qui nous garde vivants.

 

Extrait

” Ça y est, je sais, je sais ce qui s’est passé en moi avec Charlie. Ces enculés ont génocidé le bol d’air et d’eau de mon enfance, c’est ça – 7 janvier 2015, 10 rue Nicolas-Appert (Paris, 11ème), Charlie Hebdo. Salle de rédaction. 11 blessés, 12 morts – qui m’a rendu dingue. Il a fallu que je fasse le Mont Blanc pour me calmer, c’est pour ça que j’ai quitté Paris. Qu’est-ce qu’on fait ? Je t’ai dit ça de Paris, toi t’étais à Berlin. Je t’ai dit en pleurant j’ai besoin de faire quelque chose de grand, tu m’as dit t’as toujours rêvé de faire le Mont Blanc, on va faire le Mont Blanc. Et on s’y est collé. “

 

Brisby • Julie Papin

BRISBY (blasphème !)

Brisby ( blasphème !) est un seul en scène interprété par Julie Papin et co-mis en scène avec Lucas Chemel. Il est écrit par Théophile Dubus – lauréat de l’aide à la création ARTCENA pour son texte Variation (copies !).
C’est un texte virtuose, vingt personnages pour une actrice, un texte plein d’humour et de cruauté.

C’est une histoire qui raconte cette lutte contre le sentiment de solitude, cette nécessité de se créer des fictions quand tout semble perdu… Tout cela se passe dans un monde lointain, rongé par une épidémie. La Reine de ce monde, Pénéplaine, n’est pas seule. Elle est enceinte. Très enceinte. Tellement enceinte qu’elle risque d’accoucher à tout moment. Un bébé qui, selon elle (et les Textes !), va sauver son monde.

Et dans l’attente de cette arrivée, viendront lui rendre visite, personnages extravagants, animaux divers, Ding Dong, présence fantomatique, Cui Cui… ne lui laissant pas une minute de répit. Pénéplaine va être prise dans un tourbillon, peut-être le tourbillon de sa propre fiction. Elle va désespérément essayer de tenir bon, de ne pas craquer, de survivre, et d’enfanter.

Seulement, Brisby (le bébé en question) sera-t-il vraiment la réponse qu’elle attend ?

 

Plateau Neuf • Marion Notte & Claire Eloy

JE NE VOUS DIRAI RIEN

Cette création est un montage de deux monologues : L’Actrice Empruntée (2003) de Fabrice Melquiot et Interprétation des rêves (2007) d’Ewald Palmetshofer. L’Actrice Empruntée est utilisé dans notre narration pour évoquer l’après meurtre, tandis que Interprétation des rêves introduit le moment du meurtre.

Poursuivant notre travail sur la rencontre entre les mots et les gestes, le texte L’Actrice Empruntée nous a tout de suite inspiré puisque le récit met en scène une femme contrainte à parler par la présence du public. Arrêtée dans son mouvement, elle est conviée de manière impromptue à venir parler au public, alors qu’elle venait récupérer un objet au théâtre. Bien qu’elle soit actrice, elle ne parvient pas à improviser, à trouver les mots et se dévoile peu à peu à travers l’évocation de son métier.

Dans ce texte bref, le corps est convoqué par quelques didascalies (elle regarde autour d’elle comme pour chercher une sortie, elle sourit, regarde ses mains etc.). Ce condensé des émotions met en valeur le regard, qui cherche à fuir le face-à-face. Le contact avec le public qui se fait voyeur est en même temps complice de cette intimité. Une tension vers autrui se construit.

À partir de ce monologue de Fabrice Melquiot, nous avons pris la liberté de créer une nouvelle narration afin de développer cette contrainte à parler, cette recherche de mots, ainsi qu’une nouvelle adresse.

Dans Je ne vous dirai rien, l’actrice qui est le personnage principal, se retrouve en prison. Dans l’attente d’un rendez-vous au parloir, la douleur de ses mains la ramène à son crime. À travers une analepse, le spectateur assiste à l’aveu du meurtre. C’est à ce moment précis que le corps prend toute sa place.

Anéantie d’avoir cédé aux avances de son metteur en scène dans les loges du théâtre, elle l’étrangle avec son foulard. Prise au piège par l’arrivée du veilleur de nuit, elle essaie de trouver les mots pour justifier sa présence et finit par lui avouer son meurtre. Ce dernier devient donc un témoin potentiel. L’actrice, ne trouvant pas les mots pour justifier sa présence en ce lieu, va finir par se taire pour laisser place au corps dansé qui représente l’aveu. Sur scène, l’adresse n’est plus au public, mais à ce témoin. Car comme le nomme si bien Eric Lacascade : “Ce dont on ne peut plus parler, il faut le danser”.

Dans toutes nos créations, nous laissons une grande part à l’imaginaire. Nous faisons le choix de ne pas nommer la victime, ni le témoin potentiel. Nous mettons l’accent sur le langage et sur la manière dont un corps peut prendre le relai des mots pour s’exprimer.

 

cie du petit côté • Laurence Pagès

SILENCES

Silences est un projet qui réunit deux éléments essentiels, mais jusque-là séparés de mon travail : la création chorégraphique et l’écriture. La rencontre avec l’univers littéraire de Joë Bousquet a agi comme un déclencheur. Paralysé par une balle qui lui sectionna la moelle épinière lors de la Première Guerre mondiale, écrivant alité, Bousquet a écrit des textes qui d’emblée m’ont semblé de nature chorégraphique. Comme en dialogue avec la recherche d’Hijikata, le fondateur du butô.

En écho des sensations d’enfermement que j’explorais jusqu’alors dans mon travail chorégraphique, les textes de Bousquet ont ouvert un chemin en germe dans mon parcours : la danse se danse, la danse s’écrit. Et l’écrit donne à danser.

Silences signe ce passage du souffle à la poésie sonore, de la rétention du souffle à la sortie de l’oralité. Avec pour ambition de jouer avec le perceptible, de nommer l’invisible dans la danse, de dévoiler les moteurs internes et imaginaires du geste. Faire danser les mots, et traduire en mots l’invisible de la danse.

 

ENSAD Montpellier • Aurélie Leroux

« Tout est MÉTAMORPHOSES ? »
(Titre provisoire)

C’est à un moment clef de leur chemin que j’ai rencontré les comédien.nes de cet ensemble de l’Ensad. Au dernier tour de leur concours d’entrée. Il y a deux ans. Je me souviens particulièrement encore de leur singularité, et je me souviens de cette sensation qui m’avait fortement habitée en travaillant avec eux, ce « Au Monde » de Vitez, cet appel d’un théâtre qui réagit à son temps.
J’avais été surprise par leurs corps, ce qu’ils portaient, dégageaient, livraient : d’une vitalité sauvage à l’inscription d’une déjà forte expérience. Je me souviens d’un enthousiasme à les imaginer au sein de spectacles, porteurs d’un sacré possible d’humanités, dans ces diverses facettes. Et nous décidions en plus qu’ils seraient quatorze !
Deux années ont passé et c’est avec joie que je les retrouve pour cette création. Deux années où dans ce chamboulement général, j’ai beaucoup pensé à eux, comme à cette jeunesse enfermée à qui l’on peint à longueur de journée un monde sans lueur, sans projection possible. Comment l’habiter ? Comment s’y construire ?
Je me suis alors intéressée à ce mythe des plus profonds qui nous accompagne depuis tout temps  – et plus particulièrement en des moments troubles, comme s’il avait une puissance de réparation : celui de la métamorphose.
La métamorphose comme une défense de l’imagination : du pouvoir merveilleux de transformer le monde, de le transfigurer. La métamorphose  comme un phénomène scientifique fondamental du vivant : un monde toujours mobile, théâtre de perpétuelles mutations : humaines, animales, végétales, géologiques.
Et c’est avec ce thème que j’ai décidé de réunir ces comédien.nes, de questionner le monde et le théâtre.

D’une enquête sur la/les métamorphoses
De l’antiquité à aujourd’hui, les métamorphoses traversent nos identités.
Nous partirons d’une enquête sur la/les métamorphose(s) : des textes antiques (les Métamorphoses d’Ovide…), aux contes qui nous habitent depuis l’enfance (Pinocchio/certains de Grimm), aux romans (Kafka…), aux  traités et essais scientifiques (biologie/botanie/ apiculture/jardinage/météorologie…), aux pièces de théâtre, jusqu’aux peintures, mangas, Bd, films, séries, jeux vidéos et actualités.
Chaque comédien.ne s’emparera de ce sujet, en un point précis : là où cela reveille son rapport à l’intime, aux autres, et au monde.
Nous accueillerons toutes les métamorphoses, qui correspondent aux désirs, et aux questions de ces 14 comédien.nes.
À partir de ces matières collectées, d’un « grenier » commun de cette mémoire, nous éprouverons au plateau, comment ces métamorphoses se performent.

Cie Nonii • Maija Nousiainen

INSOUTENABLE LA GRACE

Réservation : compagnie.nonii@gmail.com C’est une histoire de famille, un voyage dans le temps à la source de ce que l’on est devenu aujourd’hui, à la rencontre de l’être que l’on doit accepter d'être.

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ENSAD Montpellier • Charly Breton

DOLLDRUMS

DOLLDRUMS raconte l’histoire d’un gang de jeunes adolescents ayant pour projet de débarrasser le monde des adultes en les faisant régresser jusqu’à la prime enfance. Isolés sur un territoire où règne la tyrannie de l’imaginaire, ils vouent un culte aux poupées qu’ils conçoivent avec la matière de leurs otages dans l’espoir que ces avatars vieillissent et souffrent à leur place.

Cette fable, écrite à la croisée d’Orange mécanique et de Peter Pan, interroge les désirs, les ressources et les dangers d’une jeunesse livrée à elle-même. Héritière d’un monde au déclin annoncé, condamnée à l’ascèse ou au suicide par la consommation, elle lutte, à sa manière, pour refuser sa dette au tragique qui toujours impose à l’enfant de payer pour l’hubris de son père.

Notes
J’ai toujours suspecté cette appellation « spectacle de sortie d’école ». Impossible pour moi de ne pas y entendre un mépris envers les choses naissantes ou plus précisément, d’une peur face à la naissance. Hannah Arendt le disait au sujet de ce qu’elle appelait dans La crise de l’éducation « les nouveaux venus » : ils sont pour le monde sa plus belle promesse comme sa plus grande menace. Ainsi, avant même d’avoir à imaginer quoi que ce soit, nous avions, avec les élèves, déjà beaucoup pour commencer. La scène à venir de leur sortie était d’emblée préoccupée par tout un ensemble de considérations autour de la génération, l’héritage, la reproduction, la descendance, la filiation, la trahison et la rupture, le deuil de l’enfance, la maturité, le surgissement de l’inédit, la reconnaissance et la mort des pères.

Et c’est donc en respectant du mieux que j’ai pu l’hypothèse de travail que je leur avais proposée, à savoir, traduire en forme théâtrale ce qui surgit spontanément de nos imaginaires et dans nos corps, que j’ai écrit ce texte à leur adresse. Un texte assez long. Pas toujours facile. Taillé à plusieurs endroits dans mes obsessions acoustiques. Un texte sur la déprivation et les violences juvéniles. Sur la mort qu’il nous faut traverser pour devenir et grandir. Sur l’amour déchirant et loyal à l’égard de ce qui nous enfante et nous aliène. Sur le courage insensé qu’il nous faut conquérir pour préférer la vie quand tout, autour de nous, se repaît de désastre et d’idéaux dystopiques. Nous avions donc beaucoup à quoi nous confronter. Et c’est ce qui, au départ, était une nécessité pédagogique, du moins le pensais-je, qui a fini par devenir un processus de création. Il a été question de préférer l’élan et l’essor à l’intention. De respecter, poursuivre et raffiner nos intuitions – même les plus insolites – jusqu’à l’écriture de signes organisés. De ne jamais préjuger du destin d’une provenance. De formuler avec la plus grande distinction ce à quoi nous pensions assister. De laisser le possible émerger dans le travail étendu d’un motif. D’accueillir la nuit qui creuse chaque répétition, pour, aveugle, y plonger de tout notre poids et se laisser dériver au gré des courants. De croire que l’onde, toujours, dicte ses rives et non l’inverse. D’estimer ce qu’il y a comme l’indice de notre nécessité. Ainsi, des matières se sont agrégées, des formes sont apparues et nous les avons habitées pour nous imprégner de leur sens à venir. C’est le contraire d’un projet. C’est ce qui advient quand on se laisse faire par les forces qui nous font et nous font faire. C’est ce qu’on appelle un travail de création.

Un mot encore, sur l’école cette fois-ci. Car c’est d’elle aussi dont je parle, depuis laquelle, me semble t-il, je n’ai jamais cessé de parler. L’école, concernant le théâtre, est étrangère à la scolarité. Aucun savoir ne s’y dispense. Elle est la pratique réitérée d’une source et d’un soupçon. Les choses y sont obscures et violentes, confondues et confondantes, impossibles, féroces, secrètes, sensuelles, puissantes, à la fois précoces et en retard, poreuses, étroites et grossières, monstrueuses, discrètes, délicates, arides, légères, blessantes, sublimes et friables. Quelque chose y pousse dans la clandestinité et la témérité des graines qui fouillent de sillons la terre toujours déjà foulée par d’autres, morts ou vivants, d’ici ou d’ailleurs. Le travail y consiste alors à ne surtout pas vouloir faire mourir la graine en fruit. Car les fruits sont pour demain. Aujourd’hui, nous travaillons à savourer le rêve et le désir d’un fruit. Et le spectacle DOLLDRUMS se veut comme la morsure d’un de ces fruits rêvés. Un appétit dévorant d’avenir. Du moins, tel est mon souhait et l’exigence que je partage avec Fanny Barthod, Léïa Besnier, Pierre Bienaimé, Laurence Bolé, Adeline Bracq, Étienne Caloone, Théophile Chevaux, Stan Dentz-Marzin, Claire Freyermuth, Camille Grillères, Noémie Guille, Mélanie Helfer, Guilhem Logerot et Théotime Ouaniche, au côté de mon acolyte-ami Charles-Henri Wolff.

Cartes Blanches ENSAD Montpellier • Mélanie Helfer

Les Cartes Blanches sont des projets écrits, mis en scène et joués par les étudiante.s de la promotion 2022.

HIÉRARCHIE

« Elle est partie avec lui et elle a rien dit
Elle est partie et elle nous a laissé toute sa merde
Il m’a dit votre appartement de merde
Mais moi j’lui dis j’tai pas demandé d’aller dedans

Il était bien content de l’avoir il travaillait pas
J’pense que l’autre il paye la maison et elle
Elle paye tout l’reste pi elle du coup elle a pas une flèche
C’te grosse con tellement elle est con. »

Cartes Blanches ENSAD Montpellier • Étienne Caloone

Les Cartes Blanches sont des projets écrits, mis en scène et joués par les étudiante.s de la promotion 2022.

KIIL

« J’ai vu-verrai tout cela… Je l’ai touché ! Nul besoin de fermer les yeux, il fallait tendre la main. Mais vous étiez trop occupé à vous caresser le ventre pour avoir ne serait-ce que l’idée de caresser le monde là-bas, et je ne parle pas de votre “grand-sommeil” à l’emporte pièce ! Je ne veux pas de votre rêve avec code, uniforme et soumission, et puis les pieds nus froids sur le marbre des salles communes ça me file des rhumes. Cet horizon qui se ferme là-bas, je l’ouvrirai. J’inventerai des pays, des terres, des feuilles, et jusqu’aux histoires qu’on se raconte dans les foyers qui germinent au-delà d’ici et partout à la fois. On parle d’un lieu, dans les écrits, à l’Ouest, où la terre n’est pas encore crée. On dit qu’elle évolue en fonction des sentiments de celui qui s’y trouve. Et il s’y crée des collines, des mers, des montagnes, des gouffres, devant nous, seuls, notre paire d’yeux à nous. J’irai, moi, cligner des yeux là-bas. Il paraît qu’on y meurt aussi parfois…»